martes, 28 de febrero de 2012

ALFREDO HERRERA-NEGRO = LUZ

ALFREDO HERRERA
NEGRO = LUZ

@GBGARTS


  Invitación


GBG ARTS se complace en presentar
NEGRO = LUZ / BLACK = LIGHTNESS
ALFREDO HERRERA
EXHIBICIÓN #13: 01.03.2012 / 06.05.2012

Obturaciones mentales
Por Yolanda Pantin

Cuando visité el taller de Alfredo Herrera, me recibieron severas y desconcertantes telas que a mí me parecieron fotografías puestas a secar en el cuarto de revelado. La luz que se filtraba detrás de algunos lienzos reforzaba en ellos la idea de fotogramas que esperan en la mesa de montaje por el argumento.




El argumento podría estar en las entrelíneas del poemario Pared, o en la misma serialidad de la pintura. ¿Qué queremos decir? Verónica Jaffé, quien también ha ido de la palabra a la imagen y viceversa, hablaría de traducción a distintos lenguajes en una ‘carama’* de palos (Igor Barreto). De la gráfica al lenguaje plástico, de éste al fotográfico, de la fotografía a la pintura, de la pintura al poema. El caso es que en el proceso creativo, la inmediatez del grabado condujo a Herrrera a extender sobre el piso las telas, y extraer de ella sus fantasmas, en un click. Fantasmas en un cuarto oscuro, obturaciones mentales que relacionan estos lienzos y grabados con la fotografía. Pero el proceso de Herrera es inverso al de los fotógrafos del siglo XIX cuando emularon la pintura y que generó tanta controversia. De alguna manera, él completa un recorrido que deja abierto para que vuelva a cerrarse como el ojo humano o el lente de una cámara.




Aquí, el cuerpo es al mismo tiempo la cámara que toma la imagen y el cuarto obscuro que revela lo que ha permanecido dentro, ignorado. La película que usa Alfredo Herrera es blanco y negro. No puede ser de otra manera aunque Bergman haya dicho alguna vez que el alma es roja. Para Herrera, haciendo abstracción del color, el blanco representa la pureza de la niñez, el negro a la juventud, y los grises en sus matices, a la madurez.





La relación de estos lienzos con la fotografía parte de la sensibilidad para ‘detener’ el movimiento en las telas donde oscila una sombra, a la derecha o a la izquierda, dentro de las paredes del cuerpo, también como si estuviera una persona bailando. El efecto aunque reconozcamos algunas ‘pistas’ para su compresión, es de total extrañeza. La cámara que es el cuerpo, con su obturador, revelando al inconciente, está cerca, no de la sensibilidad de los impresionistas a la luz, sino de la angustia expresionista con su impronta gestual, sin intermediarios, muy cercana, a su vez, al action painting. Las monotipos, matrices de esta exposición, surgieron de un llamado impaciente tanto como la necesidad de sacar de las telas lo que estaba escrito dentro del cuerpo pero que necesitaba ser traducido a un lenguaje que pudiera comprenderse fuera de las herméticas paredes que lo contienen. Lo mismo que si hablara o pintara una persona que ha estado encerrada dentro de sí misma, completamente sola, todo lo cual me recuerda unos versos de Gottfried Benn: “En esta casa no se puede entrar/ en esta casa hay que haber nacido”. Ahora estamos viendo algunas de sus representaciones.




*Carama: Venezolanismo. Entramado de ramas o de árboles que obstaculizan el correr de las aguas en un río o caño.

Encuentro con los medios
NEGRO = LUZ. ALFREDO HERRERA
EXHIBICIÓN #13
Fecha: Martes 28 de febrero de 2012
Lugar: Galería GBG ARTS
Hora: 10:30 am




Inauguración
NEGRO = LUZ. ALFREDO HERRERA
EXHIBICIÓN #13
Fecha: Jueves, 01 de marzo de 2012
Lugar: Galería GBG ARTS
Hora: 07:30 pm
Clausura: Domingo, 6 de mayo de 2012


Agradecemos a Consuelo Ginnari Chesneau por el envío de la invitación
@ConsueloGinnari

Harry Abend: Obra sobre papel

Harry Abend 
Obra sobre papel

Museo Kern de la Unión Israelita de Caracas




El reconocido artista plástico Harry Abend exhibirá un total de 25 obras en papel, junto a 5 esculturas, en una exposición individual titulada Harry Abend: obra sobre papel, que se inaugurará con las palabras del Rabino Pynchas Brener, el domingo 04 de marzo a las 11:00 de la mañana, en el Museo Kern de la Unión Israelita de Caracas (UIC). 


La muestra –que permanecerá abierta al público hasta el 30 de junio– forma parte del proyecto de la Sala de Papel, donde se han expuesto obras de excelentes artistas plásticos venezolanos-judíos, como un reconocimiento por su aporte a la vida cultural del país y la comunidad israelita. 




Bajo la museografía y curaduría de José Francisco Cantón, esta exhibición ofrece la oportunidad de apreciar otra faceta de la producción artística de Harry Abend, que aunque a lo largo de su carrera ha transitado por diversos ámbitos del arte como escultura, orfebrería y gráfica, es principalmente conocido por sus obras tridimesionales en madera, concreto y bronce, así como por sus elementos arquitectónicos a gran escala (puertas, muros, techos y fachadas) en importantes edificaciones como el Complejo Cultural Teresa Carreño y la Sinagoga de la UIC. 


En la exposición Harry Abend: obra sobre papel, el artista se expresa a través de un conjunto de dibujos y xilografías, en los que consigue representar la transición entre el trazo bidimensional y la forma tridimensional, según escribe JF Cantón en el catálogo que acompaña la muestra. 




“La obra bidimensional de Harry Abend abre visuales en la tradición de lo geométrico abstracto. Es una especie de lente que permite acercamientos y lejanías, indagación e interpretaciones que dejan entender una dimensión que trasciende más allá de lo observado, algo relacionado a las experiencias primarias de nuestros ejercicios perceptivos. En Abend, los dibujos son trazos monocromos que denotan expresión escultórica; son construcciones que sugieren aproximaciones al que hacer creativo de la obra volumétrica”, señala Cantón. 


Asimismo, el museógrafo afirma que la obra plana de Harry Abend nos traslada a tiempos notables del arte universal, la modernidad abstracta y constructiva del siglo XX; y concluye, que todos los dibujos de la exposición son historia narrada sobre papel, donde se acogen inquietantes gestos y elocuentes momentos de madurez plena de su producción plástica. “Están plasmados sobre soportes blancos que dejan ver la profundidad de los espacios creados, más allá del gesto son rayas de arquitecto, son trazos de fluidez continua”. 




Con cinco décadas de fructífera trayectoria artística, Harry Abend ha desarrollado un importante cuerpo de trabajo que lo ha llevado a exponer su obra en galerías, museos y bienales por todo el mundo. Nacido en Polonia en 1937 y residenciado en Venezuela desde 1948, este reconocido artista arquitecto y orfebre, obtuvo en 1963 el Premio Nacional de Escultura en el Salón Oficial de Arte Venezolano, y en 2009 fue distinguido por la Feria Iberoamericana de Arte, FIA, durante su decimoctava edición, como uno de los artistas más polifacéticos y prominentes del arte contemporáneo, entre otros reconocimientos. 


El público podrá apreciar la obra de este importante artista, del 04 de marzo al de 30 junio, en el Museo Kern de la Unión Israelita de Caracas, ubicado en la Avenida Washington de la urbanización San Bernardino -al lado del Hotel Ávila-  El horario de exposición es miércoles y jueves de 1:30 p.m. a 4:30 p.m., y los demás días mediante visitas guiadas, previa cita por el número de teléfono 552.82.22 ext. 184.


Agradecemos a Desirée Depablos por el envío de esta información

Antonio Briceño-Las Plañideras. Nuestras últimas lágrimas

Antonio Briceño
Las Plañideras. 
Nuestras últimas lágrimas


Fecha Del domingo, 4 de marzo de 2012 
al 15 de abril de 2012
Horario: 11:00 - 16:00
Lugar: Galería D´Museo, 
Centro de Arte Los Galpones, 
Caracas





Antonio Briceño captura el arte del llanto y el olvido 
con “Las Plañideras” en D’Museo 

Las Plañideras, nombre que reciben esos coros de mujeres lloronas que desde la antigüedad han hecho del llanto un ritual para expresar con fuerza dramática el dolor ante la muerte, es el título y el eje central de la nueva exposición del artista venezolano Antonio Briceño, que se inaugurará el domingo 04 de marzo a las 11:00 de la mañana en la Galería D’Museo, en el Centro de Arte Los Galpones, y que permanecerá en exhibición hasta el 15 de abril. 



La muestra, curada por Tomás Rodríguez Soto, documenta una tradición que en la actualidad ha desparecido casi por completo de nuestras prácticas funerarias, pero que aún subsiste en pequeñas comunidades como las del bajo Piura en Perú donde fueron hechas las imágenes de la exposición, según explica el curador en el texto del catálogo que la acompaña. “Sin embargo –advierte el especialista- nos parece que la intención del artista va aún más allá, y con este tema de fondo habla sutilmente a su vez de la represión de las emociones en nuestra sociedad”. 

Para ello, la exposición está distribuida en cuatro grupos de obras: “Las Aguas” (imágenes de diferentes paisajes con aguas amenazantes que aluden a la emoción presa o congelada), “El olvido” (fotografías de los lacrimatorios donde se depositan las pruebas irrefutables del dolor y del duelo), “Las Mantillas” (retratos de plañideras vestidas de negro, con sus velos o mantillas -parte más esencial del atuendo- ejecutando sus desgarradores performances), y “Plañideras” (sección compuesta por dos videos en loop, de dos grupos de plañideras en su sesión de llanto). 

“De esta manera, la muestra discurre en torno al duelo y la condolencia, que podría decirse son fundamentales para la psique humana actual, habitante de grandes conglomerados urbanos donde la pérdida física y psicológica está presente en el día a día”, escribe Rodríguez Soto. 

Asimismo explica, que Antonio Briceño se sirve aquí, como ya es habitual en su obra, del paisaje como expresión plástica de las emociones o estados de ánimo, y que en esta exhibición trata el destierro de la memoria a través de los lacrimatorios, los cuales en sus obras se muestran ya resecos, encostrados y abandonados en un paisaje erosionado, reflejando el olvido por el tiempo transcurrido, el punto final del duelo. 




En cuanto a los videos del grupo Plañideras “¡Ay, mamita!” y “¡Compadre Florencio!”, el curador indica que “nos transmiten vivamente lo que son capaces de generar las plañideras, cuya fuerza expresiva resulta conmovedora y nos permite valorar el esfuerzo corporal y psíquico que requiere tal despliegue escénico. Estas piezas presentadas en un ciclo sin fin, son también una ofrenda que ellas y el artista nos hacen como espectadores, lloran por y para nosotros, nos acompañan en nuestros sentimientos aún cuando pensemos que no era necesario, ni lo creamos oportuno”. 

Nacido en Caracas en 1966, Antonio Briceño ha desarollado una importante carrera artística de más de dos décadas, durante las cuales ha exhibido sus fotografías en numerosas exposiciones, colectivas e individuales, en Venezuela, México, India, Nueva Zelanda, Suecia, Estados Unidos, Francia, España, entre otros países. Ha sido merecedor de diversos reconocimientos y su obra forma parte de colecciones públicas y privadas. 

El público tendrá la oportunidad de apreciar el trabajo de este destacado artista en la exposición individual Las Plañideras, que podrá ser visitada desde el 04 de marzo hasta el 15 de abril, en la Galería D’Museo, ubicada en el Centro de Arte Los Galpones, en la Avenida Ávila con 8va transversal de Los Chorros. El horario de exposición es de martes a sábado, de 11:00 a.m. a 7:00 p.m., y los domingos de 11:00 a.m. a 4:00 p.m. La entrada es libre.


Agradecemos a Marisela Montes por el envío de esta información

Simon Barrios-Consagracion-Velada de Santa Lucia 2012

Simón Barrios
Consagración
Velada de Santa Lucia 2012


Fecha: Del viernes a la(s) 18:00 
 al sábado, 3 de marzo de 2012 a la(s) 21:00 
Lugar: Maracaibo [Edo. Zulia]


La fotografía y la reliquia comparten una correspondencia tal que hacen de la imagen capturada, conservada y consagrada, un elemento devocional. Si bien las reliquias son cuerpos, huellas, testimonios, elementos de evocación ritual, también lo son los retratos fotográficos, no desde el objeto sino desde la imagen. Más que ser un registro, la imagen fotográfica es una prueba de fe que da cuenta de aquello ausente, porque ante su aparición, nos concilia, nos hace presentes y posibles. Más que cuadros, las fotografías son ventanas: umbrales hacia la eternidad.

¿Cómo podría ser de otra forma? Me encuentro ante el otro como la imagen busca encontrarse reflejada ante un espejo. ¿Quién me hace posible si no es ese que me reconoce? Soy una imagen, y frente a mí, su semejanza.

Simón Barrios Bravo





Agradecemos a Simón Barrios el envío de esta información

DOB-DeOrigenBélico® en la Velada de Santa Lucia

DOB-DeOrigenBélico® 
en la Velada de Santa Lucia
Maracaibo

Fecha: Del Viernes 03 de marzo a la(s) 17:00
al Sábado, 3 de marzo de 2012 a la(s) 20:00 




DOB estará presente en la edición nº 12 de la Velada de Santa Lucia. Encuentro internacional de arte contemporáneo organizado por Clemencia Labin. Santa Lucía es el nombre de uno de los sectores más populares de la actual ciudad de Maracaibo, Venezuela. Un pequeño enclavehistórico salpicado de coloridas casas coloniales que desde el 2001 sirve de plataforma de encuentro para artistas, fuera del contexto museístico y mediante la adaptación de espacios de vida cotidiana en espacios de exhibición del arte contemporáneo.

La transmisión especial se llevara a cabo a las 17h – Venezuela (ver diferencia de horario---->http://www.diferenciahoraria.info/)


Artistas participantes:


Valeria Luciana Castillo G
Video instalación
Titulo: “Paralelo” 



Noxo Stremmor
Facebook
Video Instalación
Titulo: “Sin maletas” 


Miyö Van Stenis
Titulo: “We ♥ our com-puter”




deorigenbelico[at]gmail[dot]com
@deorigenbelico



Agradecemos a DeOrigen Bëlico por el envío de la invitación

lunes, 27 de febrero de 2012

Rolando Peña "DERRAME - GUARAPICHE" Velada de Santa Lucía 2012

Rolando Peña 
"DERRAME - GUARAPICHE" 
Velada de Santa Lucía 2012


Fecha: Del Viernes, 2 de marzo de 2012 a la(s) 18:00
Al Sábado, 3 de marzo de 2012 a la(s) 21:00 
Encuentro Internacional de Arte Contemporáneo - Maracaibo Edo. Zulia


Esta instalación es una denuncia al horrible derrame petrólero actual en el Río Guarapiche - Estado Monagas. Es una alerta a este flagelo que representa un daño ecológico de enormes dimensiones y el estado no ha tomado este desastre con la seriedad que se merece. 


This facility is a complaint to the horrible current oil spill in the RioGuarapiche - Monagas State. It is a warning to the scourge that isof enormous ecological damage size and the state has not takenthis disaster with the seriousness it deserves. 






Agradecemos a Rolando Peña por el envío de esta invitación

OPUS Exposición colectiva

OPUS 
Exposición colectiva


Fecha: Sábado, 10 de marzo de 2012 
de las 11:00 a las 14:00
Lugar: Museo Sacro frente a la Plaza Bolívar, al lado de la Catedral, y del Café Venezuela 


Participan:
Gabriel Acosta,
Gladys Calzadilla,
Gustavo Gámez,
Ruben Morales,
Emilio Narciso, 
Natalia Ponce,
Carlos Riera, 
María Virginia Pineda,
 Jorge Luis Santos  y
 Eliseo Solis Mora. 

Curaduría: Gladys Calzadilla.
Diseño Gráfico: Carlos Riera.


Las pruebas impuestas por Dios, no las puede explicar el que habita este mundo con palabras, sólo vemos el beneficio con el tiempo y en el crecimiento de la fe, el trabajo diario, la experiencia de cada uno ante la vida en sociedad guiados por lo que describe el catecismo y aplicado en el andar por el mundo. La palabra latina OPUS significa 'obra' el accionar cada día, cada segundo en pro de construir, de convertir las pruebas en aprendizaje, en discernir ante las tentaciones, comprender que el perder el camino significa hundirse en el oprobio y el ego. La sabiduría lleva implícita el creer, el saber que uniendo fuerzas todo se puede. Las alabanzas a Dios por los milagros recibidos son rituales que se convierten en actos de fe si provienen del corazón, sin juzgar, apropiándose de la doctrina cristiana y haciendo de ella el camino a la vida eterna contando siempre con la protección y contención de Dios en todas sus formas. “Opus” exposición colectiva presentada en el Museo Sacro en marzo de 2012 donde el tema sacro es expuesto a interpretaciones, vivencias y presentado como instalaciones, performances, fotografía, pintura, collages y gráficas para el disfrute y reflexión del espectador. 


Gladys Calzadilla




Gustavo Gámez






Ruben Morales




Emilio Narciso




Natalia Ponce




María Virginia Pineda





Jorge Luis Santos
Facebook
 WEB





Eliseo Solis Mora





Agradecemos a Gladys Calzadilla por el envío de la invitación

domingo, 26 de febrero de 2012

Lucia Pizzani "Orchis"

Lucia Pizzani "Orchis"


Fecha: Domingo 26 de Febrero 11:00 A.M 
al Domingo, 15 de abril de 2012 a las 3:00 P.M

Lugar: Galeria Fernando Zubillaga
Dirección: Centro de arte Los Galopnes # 29-11
Avenida Ávila con octava transversal
Los Chorros Caracas 1071 Venezuela


En la Galería Fernando Zubillaga, Lucía Pizzani explora temas históricos de género asociados a las orquidáceas 

El próximo domingo 26 de febrero, la artista venezolana, residenciada en Londres, presenta su nuevo proyecto expositivo en la Galería de Fernando Zubillaga, en los Galpones de los Chorros. Esta nueva muestra es una investigación que explora la relación entre las orquídeas y lo femenino partiendo de la época victoriana. La muestra, cuyo texto curatorial estuvo a cargo de la investigadora colombiana María Claudia García, incluye dibujo,
fotografía y escultura.




La obra se inspira en un hecho que ocurrió en 1913, cuando las sufragistas inglesas atacaron el orquideario del Jardín Botánico de Kew Gardens como forma de protesta para reclamar el derecho al voto. Es sabido que en esa época a las mujeres no se les permitía tener orquídeas, eran consideradas demasiado sensuales. 

García, en su texto curatorial, plantea que: “la rareza de la orquídea nativa de asentamientos geográficos particulares, entre ellos las regiones montañosas de los trópicos, ha sido estudiada desde hace siglos por botánicos. Transportada y expuesta en sofisticados espacios de los continentes dominantes, que intentan aclimatar dentro de sus húmedas vitrinas el estado salvaje de la especie. Lucía Pizzani, de origen venezolano y residente en Londres ha experimentado un viaje semejante a su objeto de investigación. Su obra ha encontrado eco en varios contextos europeos como consecuencia de una práctica intelectual en tierras extranjeras, mientras sus raíces se adaptan a un contexto ajeno.”



Esta es la segunda individual de la artista en la Galería Fernando Zubillaga, en el Centro de Arte Los Galpones. La muestra comprende algunas obras que ya fueron exhibidas recientemente en Londres, en la Galería Madox Arts y en The Other Art Fair, una feria en la que los artistas son seleccionados por un panel de expertos de arte contemporáneo en Inglaterra. Sin embargo, esta será la primera ocasión en la que se podrá apreciar el proyecto en su totalidad.

Los temas de género siempre han estado presentes en la búsqueda plástica de la obra de Pizzani. Este cuerpo de trabajo ahonda en estos tópicos de una nueva forma. Las orquídeas han provocado diferentes reacciones a lo largo de la historia, no obstante la artista se focaliza en una contradicción que halló en estas voluptuosas flores. A pesar de su semejanza con la anatomía femenina su nombre viene de una raíz masculina, la palabra Orchos, que en griego significa testículo, ya que los tubérculos de algunas especies tenían estas formas. En sus propuestas escultóricas en cerámica, un medio que Pizzani viene utilizando de una forma nada tradicional, el dilema se materializa de forma más latente. 




En cuanto a las fotografías, se exhiben tres series: Orchos (2011) agrupa imágenes del centro de las flores impresas sobre óvalos de acero inoxidable, que recuerdan formas y siluetas del cuerpo humano. Liliana (2011) lleva el nombre de una de las sufragistas y muestra a una mujer que desaparece al tocar una de estas flores en un tríptico también ovalado. Esta forma es recurrente en 
la exposición como una referencia a las fotografías antiguas. Por último, Anala (2011) ubica al espectador en una época moderna en la que la dueña de la colección de orquídeas es una mujer. Allí la artista explora otra inquietud recurrente en su obra: el contraste entre formas orgánicas y corpóreas de las flores con las formas geométricas, en este caso de las bondades arquitectónicas de Villa Planchart, la casa diseñada por el arquitecto Gio Ponti en Caracas en donde fueron tomadas las fotos. 

Orchis hace un recorrido desde la época victoriana hasta la actualidad, revisando los nexos y eventos entre las orquídeas y lo femenino. Lo hace a través de varios medios: “La práctica de Lucía viene penetrando sin timidez varios procesos y formatos: el performance, la cerámica, la fotografía, el dibujo y representaciones escultóricas que relacionan referentes mentales y sensoriales con subtemas de género. En esta muestra, cada obra se deriva de otra, y cada una existe como un proceso de investigación. (…) Las obras dimensionadas o montadas sobre espejos y otros materiales reflexivos activan la dualidad del cuerpo y del ser. La orquídea proyecta a la mujer, y el reflejo, por la fragilidad de su imagen, al duelo”.




Lucía Pizzani vive y trabaja en Londres, ciudad en la que obtiene una Maestría en Bellas Artes en el Chelsea College of Arts. Su inhibida y expresiva práctica gira entorno a una investigación sobre el cuerpo y temas de género utilizando la fotografía, el performance y la escultura. Pizzani exhibe internacionalmente, ha mostrado su obra en Simon Oldfield Gallery, Beers.Lambert Contemporary y Maddox arts en Londres; Lehman College, Queens Museum, Exit Art y Solar Gallery en NY, el Museum Of Latin American Art (MOLAA) en Los Angeles y la Galería El Museo y la Universidad de Los Andes en Bogotá. A nivel nacional ha exhibido en la Galería Fernando Zubillaga, La Carniceria, Sala Mendoza, Bienal Internacional de Arte Contemporáneo ULA, 64 Salón de Arte Arturo Michelena, y el IX Salon Jóvenes con FIA en el que recibe el Segundo Premio.

María Claudia García es curadora independiente, vive y trabaja entre Bogotá y Londres. Politóloga de la Universidad de Los Andes (Bogotá) con una Maestría en Curaduría de la Universidad de Goldsmiths (Londres). Su experiencia proviene de varios contextos culturales en Colombia e Inglaterra de los campos social y artístico. Proyectos recientes 



incluyen la primera exposición individual del colombiano Oscar Muñoz, Anarchive, en la Galería Mor-Charpentier en Paris y una colaboración con el curador y actual Director de Latinoamérica de la Tate Modern, José Roca, en la exposición y publicación Inmemorial, del mismo artista. Escribe regularmente en la Revista Arcardia y es profesora de la Universidad de Los Andes. Actualmente colabora como asesora en la Dirección de Artes del Ministerio de Cultura en Colombia. Es Curadora Asociada del Artist Pension Trust (APT Mexico City) regional Latinoamérica.


Agradecemos a Fernando Zubillaga por el envío de esta invitación

sábado, 25 de febrero de 2012

Helena Arellano Mayz - “Trazos y trazas”

Helena Arellano Mayz
“Trazos y trazas”

Fecha: domingo 26 de febrero, a las 11:00 A.M. al 1ro de abril de 2012
Lugar: Galería Gsiete de Los Galpones 
Dirección: Av. Ávila con 8va, transversal de Los Chorros




QUEBRAR EL SILENCIO EXPRESIVO ES EL CAMINO 

CREADOR DE UN ARTISTA 

Catorce obras que establecen la familiaridad de la línea con el sonido y su profunda relación con la historia, las matemáticas y la música, constituyen las premisas de esta artista que ha cultivado la fotografía, el grabado, el dibujo y el diseño. 


“Trazos y trazas” es el título de la exposición que el domingo 26 de febrero, a las 11:00 a.m, inaugurará Helena Arellano Mayz en la galería Gsiete del Centro de Arte Los Galpones a partir de una propuesta que supera el concepto de la línea, el dibujo, el grabado sobre papel encolado y la impresión digital para explorar lenguajes paralelos, como la palabra, el sonido y la música. 

La misma artista, con estudios de grabado en el Taller de Huella de Caracas, 1988; Les Ateliers de la Ville de Paris, la Ecole Estienne, también de Paris, ambos en 1997, lo explica asi: 

--“Más que presentar una evolución del trabajo, esta muestra recalca mi interés por el trazo, por la línea. La línea como palabra, como nota musical, la que traduce, hace manifiesto, visible, una idea y sobre todo una emoción. Evoca recorrido, traza huella: la del ex-istir. El “yo” es. El “ser” existe. Existir es saltar fuera del yo. Un salto hacia el exterior se convierte un ex-saltum, una exultación. La expresión única —comunicable— de un ser”. 

Tales premisas, que parten de códigos, símbolos profundos, relaciones con la ciencia y la historia, se harán evidentes en tres piezas de 2001 y once del año pasado bajo títulos que multiplican el concepto y el formato: A dos voces, Lotus y Wir Eilen Mit Schwachen (Cantata BWV 78 J.S. Bach) y Humores Saturininos. Tales títulos son sustentados por su interés e investigación en la historia, la filosófica lo religioso. El público posará su mirada acendrada en los detalles de cada pieza y entonces “escuchará” los sonidos y los silencios que le dicten los trazos de cada obra. 




El público y la crítica que han seguido la evolución de Helena Arellano Mayz desde 2002 cuando expusiera su Melodía a tres voces en la Sala Alternativa y luego en los años 2005 y 2006 en la Librería el Buscón con su Sonatina de Rubén Dario, y más recientemente en el 2011 en la G Siete, estarán estarán de acuerdo acerca de su premisa sobre la línea horizontal, que según ella “Es secuencial y narrativa. La línea no es signo ni contorno, es trazo”. 

Y propone: “Quebrar el silencio expresivo es el camino creador de un artista. El silencio es la esencia detrás de la palabra, detrás del sonido. Gesta su aparición. De ahí los blancos que acompañan estos trazos. El silencio ritma la palabra, constituye la trama secreta y profunda de la posibilidad de decir “algo”, lo que lleva a Merleau-Ponty a reconocer que debemos ser sensibles a esos hilos de silencio en el tejido de la palabra. La palabra, la pincelada, la imagen, es ese hilo que emane, que hace el mundo posible, visible, expresable, pensable, es decir: humano”. 


Los estudios de Arellano Mayz se forjaron igualmente en la Ècole Supèrieur des Arts Dècoratifs (taller de dibujo), Les Ateliers du Carrusel de Paris (dibujo experimental) y el taller de dibujo/pintura de Gladyz Medina en Venezuela; además de que posee una licenciatura en economía de la Universidad de Brown, de Rhode Island y un Seminario Intensivo de Psicología Profunda del C. G. Jung Institute de Boston. De allí que su obra alcancen las disciplinas del grabado, el dibujo, la fotografía y los libros. 


Helena Arellano ha participado en exigentes certámenes artísticos, como el Salón de fotografía del MACCSI, IV Salón Pirelli, XXV Salón de Aragua, Bienal de Miniaturas Gráficas Luisa Palacios, Atelier Ville de Paris y colectivas de grabado. Es igualmente autora de los libros LUNA; Lances, lunares y luces; A Dos Manos; Diario de P, (diario en collages), entre otros.




La muestra expositiva “Trazos y trazas” de Helena Arellano Mays se podrá apreciar en la Galería Gsiete de Los Galpones hasta el domingo 1ro de abril, ubicada en la Av. Ávila con 8va, transversal de Los Chorros. El horario es de martes a sábado, de 11:00 a.m. a 7:00 p.m. y los domingos de 11:00 am a 4:00 p.m. Entrada Libre.


Agradecemos a Marisela Montes por el envío de esta información

Re-visiones contemporáneas

Re-visiones contemporáneas

26 de febrero de 2012

Galería Universitaria Braulio Salazar de la UC
Valencia  - Venezuela


Invitación

Exposición “Re-visiones contemporáneas” la fotografía como campo de representación, testimonio y creación 


El próximo domingo 26 de febrero a las once de la mañana, será inaugurada la exposición “Re-visiones contemporáneas” de los artistas Carlos Fuguet, Juan Carlos Moratinos, Leonardo Rojas Magallanes, César Tellechea, Geczain Tovar Andueza y Anaximenes Vera, en la sala dos de la Galería Universitaria Braulio Salazar de la Universidad de Carabobo, ubicada en la urbanización Prebo. 


César Tellechea
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Título Lalabel, 2009
César Tellechea. Título Lalabel, 2009


Esta es una propuesta curatorial del museólogo Ilich Rodríguez Coronel (investigador, docente universitario, museógrafo), bajo la producción general de la Galería Universitaria Braulio Salazar. Según Rodríguez Coronel “es una propuesta expositiva que busca fomentar, promover y ampliar el radio de acción a nivel nacional sobre el trabajo reciente que vienen desarrollando un grupo de artistas de la región que trabajan con la fotografía como recurso expresivo, y cuya obra explora territorios e indagaciones personales que de alguna manera, evidencian el sentido de compromiso adquirido en el desarrollo del arte venezolano” 


Leonardo Rojas Magallanes
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Título El Rey zamuro, 2012
Leonardo Rojas Magallanes. Título El Rey zamuro, 2012


Esta selección de fotógrafos conforman y amplían el diálogo y el sentido plural de la muestra con más de 60 imágenes en diferentes formatos y técnicas y en donde la fotografía se desplaza libremente entre los diferentes géneros o temas. Haciendo uso cada cual de su particular lenguaje para transmitir al espectador sensaciones o búsquedas personales, estos seis artistas consolidan una vez más a la Galería Universitaria Braulio Salazar de la Universidad de Carabobo como espacio para la reflexión y el diálogo. 


Anaximenes Vera
Título “Y viceversa”, 2010
Anaximenes Vera. Título “Y viceversa”, 2010


El curador Rodríguez Coronel además indica en el catálogo “la fotografía, como soporte material físico de lo que el fotógrafo imagina y en donde una vez suprimido todo, todo es posible; es ese señuelo engañoso que nos muestra una ficción. Es donde se establece el extraño enlazamiento mutuo de fantasías (artista/espectador) y en donde lo que experimentamos como realidad, se tuerce, se distorsiona” 




Juan Carlos Moratinos
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Título Anotaciones para un retrato II- 2011
Juan Carlos Moratinos. Título Anotaciones para un retrato II- 2011


“Re-visiones contemporáneas”, estará abierta al público hasta el domingo 15 de abril, en el marco de esta exposición, serán desarrolladas diversas actividades formativas en el área de la fotografía. Para mayor información, la Galería Universitaria Braulio Salazar, está ubicada en la avenida Andrés Eloy Blanco, Parque Universitario Dr. Fabián de Jesús Díaz, Urb. Prebo. Valencia, estado Carabobo. Sitio Web: www.galeria.uc.edu.ve. Teléfonos: 0241-8211214 / 8238933.


 WEB

Título Sin título- 1999
Carlos Fuguet. Título Sin título- 1999




Título Laguna de Mucubají-2011
Geczaín Tovar Andueza. Título Laguna de Mucubají-2011


Agradecemos a Galería Universitaria Braulio Salazar por el envío de esta información