domingo, 31 de julio de 2011

Irama Gómez - Memorias Compartidas

Irama Gómez - 
Memorias Compartidas

 Del domingo 10 de julio, 
al 14 de agosto de 2011



Un viaje a través del recuerdo desde Altavista, en Caracas, a Varsovia y Cracovia, en Polonia, nos presenta la fotógrafa venezolana Irama Gómez en la exposición Memorias compartidas - Wspólne wspomnienia- la cual se inaugura el domingo 10 de julio, a las 11 de la mañana, en el espacioMAD del Centro 
Cultural Los Galpones, bajo los auspicios de la embajada de Polonia.





En el 2007, Irama Gómez fotografió y entrevistó en su casa de Altavista a dos mujeres: Irene, nacida en Lodz, Polonia, en 1925 y llegada a Venezuela en 1948 y su hija, Isabel, nacida en Caracas a mitad del siglo pasado. A través de las historias de estas mujeres Gómez visitó imaginativamente a la Polonia que existe en el recuerdo de la madre y la que se imagina la hija. Dos años después, Gómez viajó a esos lugares para reconocer los espacios que las mujeres le habían narrado. Memorias compartidas - Wspólne wspomnienia- es el resultado de ese trabajo fotográfico.



La exposición incluye otras fuentes iconográficas que forman parte de la memoria de estas mujeres: sobres de cartas y postales enviadas desde Polonia; documentos de inmigración, cédulas de identidad de la postguerra y fotografías de la familia ya en Altavista, de las décadas 50 y 60, entre otras. 




Al respecto, Sagrario Berti, curadora de la exposición, expresa: “…el uso insistente del recurso fotográfico, conformado por diferentes temas y soportes, le permite a Gómez elaborar una estructura secuencial de enunciados que se articulan entre sí y trazan el sentido de la muestra: la socialización de memorias privadas, la de Irene e Isabel. La memoria de ambas es representada por acontecimientos que narran una historia común y, como todas las memorias, la de ellas está hecha de pedazos o fragmentos que, colgados en esta pequeña sala, conducen al espectador a realizar actos de lectura asociativos, guiándolo a participar en estas secciones de recuerdos individuales atados por lazos filiales y a establecer relaciones de empatía”.


Memorias compartidas - Wspólne wspomnienia se realiza con el auspicio de la Embajada de la República de Polonia como parte de la celebración por la Presidencia Polaca en la Unión Europea y estará en espacioMAD del Centro de Arte Los Galpones, Avenida Ávila con 8va.Transversal, Los Chorros, desde el 10 de julio al 14 de agosto de 2011. 


Irama Gómez
Nació en Maturín, estado Monagas, Venezuela. Es fotógrafa, arquitecto y museógrafa. Se ha desempeñó como coordinadora de exposiciones y museógrafa de varios espacios expositivos en Caracas: Galería BANAP, Banco Nacional de Ahorro y Préstamo; Sala Pequiven, Chacao; Centro de Arte la Cañuela, Alto Prado y de Oro afé Galería, la castellana. Se inicia en la fotografía de la mano de los Fotógrafos, Roberto Mata y Rodrigo Benavides y continúa su formación con Leo Álvarez, Ricardo Jiménez, Alexis Pérez Luna, Luis Brito y Nelson Garrido entre otros, no menos importantes en la misma. En la actualidad pertenece a la Agencia de Fotógrafos Enphoco.


Ha recibido catorce premios y menciones entre ellos: Premio Municipal de fotografía “Henrique Avril”, 8ª Bienal de Fotografía y Video Arte del Municipio Girardot, Maracay 2011. “Premio a la mejor fotografía”, VI y VIII Salón de Artes Visuales Dycvensa, Caracas 2008 y 2010. “Premio Cegaven”, 34 Salón de artes Plásticas Mauro Mejía, Guacara. “Premio Municipal de Fotografía Ciudad de Caracas”, XXXV y XXXVI Premio Municipal “Salón Juan Lovera” 2006 y 2007. “Tercer Premio”, VII Salón de Arte y Ciencia, Universidad Simón Bolívar 2009. “Premio Venezolano de Fotografía”, Goethe-Institut. 1ª Edición, 2005. 


Sus exposiciones Individuales: “Memorias Compartidas”, espacioMad, Centro de Arte Los Galpones, Caracas 2011. “Memorias Compartidas”, XVI Encuentros Abiertos-Festival de la Luz, Argentina 2010. “Paisaje Primordial”. IX Bienal Internacional Olot de Fotografía, España 2010. “Paisaje Primordial”, OroCafé BistroGalería, Caracas 2009. “Una luz en el bosque. Creación y reflexión”, VIII Bienal Internacional Olot de Fotografía, España 2008. “Altavista, un sentimiento” y “Rostros de un Nuevo Horizonte”, proyecto comunitario Cartas del Barrio el despertar de la Memoria, Museo del Oeste Jacobo Borges, Caracas 2007. “Detrás de la Sonrisa”, ROBERTO MATA Taller de Fotografía, Caracas 2006. 



Colectivas más resaltantes: “Basaltades, Jornadas de Fotografía Contemporánea 2011”, Gerona, España 2011. “Una cuestión de fe…”, Salta , Argentina 2011. “Muestra Documentales y Fotografías de América Latina”, España, 2007 2010 y 2011. “Presencia de Polonia”, Alianza Francesa, Caracas 2011. “1ª Exposición ENPHOCO, colectivo de Fotógrafos”, Caracas 2011. “8ª Bienal Nacional de Fotografía y Video Arte”, Municipio Girardot, Maracay 2011. “65 Bienal Salón Arturo Michelena”, Carabobo 2010. “Salón de Artes Plásticas Mauro Mejía”, Carabobo 2008 y 2010. “Premio de Fotografía Caja España”, León, España 2008 y 2009. “V Bienal de Maracaibo”, Zulia 2009. “2da Bienal de Fotoperiodismo Cultura y Espectáculos”, México 2007. “Salón Nacional de Arte Aragua”, MACMA, 2007, 2008 y 2009. Premio Municipal “Salón Juan Lovera”, Municipio Libertador, Caracas 2006, 2007, 2009 y 2010. “Salón de Artes Visuales DYCVENSA”, Caracas 2006, 2008 y 2010. “El Valle una Mirada a lo Cotidiano”, Núcleo Fotosensible, Museo Alejandro Otero, Caracas 2006.





Fecha: Domingo, 10 de julio a las 11:00 al 14 de agosto a las 19:00
espacio MAD en el centro de arte los galpones.



Agradecemos a Irama Gómez por el envío de esta información 

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sábado, 30 de julio de 2011

Mali Larralde y Daniela Martinez Delgado "FRACTURED"

Mali Larralde y 
Daniela Martinez Delgado
"FRACTURED"

Del Viernes 08 al 31 de julio de 2011
07:00 P.M.
Caracas - Venezuela


Invitación

 Mali Larralde 
 Daniela Martinez Delgado




Fecha: Viernes, 08 de julio · al 31 de julio 2011
Lugar: Final Av. Principal de las Mercedes, Centro Comercial Paseo Las Mercedes, Hotel Paseo Las Mercedes Nivel PP



Agradecemos a Mali Larralde por el envío de esta invitación

MORELLA JURADO TERRITORIOS INDIVIDUAL

MORELLA JURADO
TERRITORIOS INDIVIDUAL


Del 15 y 30 del mes de julio de 2011
Cusco - Perú




En el marco de la gran celebración de los 100 años del descubrimiento de Machu Pichu por Occidente, la ciudad del Cusco tiene previsto presentar al público la más amplia y ambiciosa muestra individual realizada hasta la fecha por la artista venezolana Morella Jurado. 



Es la primera vez que una artista venezolana es invitada a exponer en el Museo de Arte Contemporáneo del Cusco, una institución dedicada al fomento de las principales tendencias rupturales del arte contemporáneo latinoamericano y mundial.



Tras haber expuesto en Venezuela, Rusia, EE.UU, España, República Dominicana, Colombia, Brasil, y Jordania, Jurado exhibe ahora 30 obras, la mayoría de gran formato, pertenecientes a su más reciente indagatoria sobre las relaciones entre territorialidad y palabra poética. La muestra incluye trabajos que especulan y repiensan cartografías imaginarias alusivas a Venezuela, EE.UU, Haití, Brasil y Perú.


Según refiere Elida Salazar, curadora de la muestra y ex-directora de la Galería de Arte Nacional de Venezuela: “Jurado se propone situar la pintura al interior del campo discursivo de la poesía. (…) En realidad lo que indaga la artista es sobre todo el contexto, el doble ámbito de tiempos y espacios que se agolpan tras cualquier visión de la realidad, sea esta interior o simple anotación de datos externos. Pero su tema es, además, la poesía.”


La exposición tendrá lugar en el Museo de Arte Contemporáneo del Cusco entre los días 15 y 30 del mes de julio de 2011. Auspician la muestra, por Venezuela, el Ministerio del Poder Popular para Energía y Petróleo, el Ministerio del Poder Popular para la Cultura, el Ministerio del Poder Popular para Relaciones Exteriores y la Embajada de la República Bolivariana en Perú. Y por la República de Perú la muestra tiene el auspicio de la Municipalidad del Cusco y cuenta con la organización de ADDAE Euroamericana de Artes Visuales.


Agradecemos a Morela Jurado por el envío de esta invitación
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María Angélica Hernández Sueños de naturaleza como poética corporal

María Angélica Hernández
Sueños de naturaleza como poética corporal 

Sábado 02 de julio de 2011
Caracas - Venezuela



Esta colección de collares que María Angélica Hernández exhibe por primera vez, responde a un trabajo realizado pacientemente de manera paralela a su actividad literaria, poética y crítica. Sus manos juegan con la tradición de la milenaria técnica de punto “calabaza” o “peyote” (del náhuatl peyotl), pues reta las formas regulares para crear nuevos ritmos, a veces irregulares, de acuerdo a una iconografía vegetal y marina de ondulaciones cromáticas. Esta artista emplea mostacillas y piedras semipreciosas para recrear, en piezas únicas, esta técnica que consiste en elaborar una trama de cuentas de colores creando una suerte de hiterestesia visual, asociada también a los efectos alucinógenos que produce esta droga de uso ritual. Se observa un regocijo por recrear un imaginario visual y simbólico asociado a esa mítica relación de lo femenino en comunión con las pulsiones de la naturaleza, expresadas aquí en colores acuosos, transparencias cálidas y formas sinuosas y palpitantes, a veces casi barrocas. Desde la contemporaneidad se alude así a un tiempo onírico de lo femenino de sueños de naturaleza.
Carmen Hernández









Agradecemos a Carmen Hernández por el envío de esta información

jueves, 28 de julio de 2011

Volver a ver Pinturas de LÓPEZ-MÉNDEZ, GOLDING Y TRÓMPIZ

Volver a ver 
Pinturas de  
LÓPEZ-MÉNDEZ, GOLDING Y TRÓMPIZ

Del 10 de julio al 04 de septiembre de 2011
Caracas - Venezuela




Volver a ver es el título de la exposición con la cual la Galería Freites exhibirá en su Mezzanina, desde este domingo 10 de julio a las 11:00 de la mañana, una representativa muestra de la obra de tres importantes artistas de la plástica venezolana del siglo XX, como son Luis Alfredo López-Méndez, Tomás Golding y Virgilio Trómpiz.

La muestra, que podrá visitarse hasta el 04 de septiembre, contó con la curaduría de Perán Erminy, y ofrece al espectador la posibilidad de apreciar nuevamente las pinturas de estos tres maestros, pero con una manera distinta de verlas, desde la novedad que con el tiempo se ha añadido a nuestra mirada.

Así lo explica Perán Erminy en su texto de presentación, donde a su vez afirma que la exhibición nos llevará a descubrir que estas obras no son las mismas que conocíamos, o que creíamos conocer, pues nuestra visión del arte ha cambiado, y las obras ya no dicen lo mismo que decían en sus tiempos iniciales, cuando compartían los mismos gustos, y el mismo mundo imaginario de sus espectadores.

“Se trata, en esta ocasión, de ir fomentando una nueva lectura visual de nuestras artes, y de ensayar con ella una revisión y una nueva valoración de la plástica venezolana (…) Lo peculiar de esta muestra es que nos invita a una inevitable relectura comparativa y particularizada de las obras de cada uno de estos creadores, y las del conjunto de los tres pintores, confrontado con el contexto artístico actual y con los códigos y el posible canon —si lo hay— del arte de hoy”, señala el curador.

En el caso de Luis Alfredo López-Méndez (1901-1996), su obra refleja la predilección que tenía este artista por buscar la sencillez y la mayor naturalidad expresiva, con un profundo conocimiento de los procedimientos pictóricos más complejos. En opinión de Perán Perán Erminy, con su trato de colorista fino y armonioso del paisaje, de sus desnudos y de sus flores, sus pinturas ofrecen el placer “de estimular muy gratamente la sensibilidad del espectador sin violentarla con estridencias, sobresaltos ni excesos de ninguna especie; evitando los desbordamientos y las ultranzas propias del amarillismo artístico que viene invadiendo nuestras artes”.



Por su parte Tomás Golding (1909-1981), según el curador de la muestra, concibió la pintura como un acto emergente, como un proceso naciente de la creación estética. “En este caso no importa tanto el conocimiento de la mecánica analítica del lenguaje pictórico, sino más bien la experiencia del conjunto de pequeñas o breves sensaciones que vamos descubriendo en la grata fruición de la pintura (...) Con la factura impetuosa y temperamental de sus paisajes agitados y barrocos, Golding es insuperable en el virtuosismo extremo de sus pinceladas impulsivas y poderosas. En su trabajo resalta el énfasis en la inmediatez visual de la materia pictórica…”, escribe el especialista.




Completa la muestra una selección de piezas de Virgilio Trómpiz (1927), cuya obra es la más original y la más moderna de las tres que se presentan, pero de igual excelencia en su óptimo nivel de calidad aunque no se parezcan entre sí, “Más aún, la pintura de Trómpiz no tiene ninguna semejanza formal ni discursiva con ninguna otra obra en la Venezuela de su tiempo”, advierte el curador.




Con una lejanía generacional en relación a sus dos coexpositores (una distancia etaria de veinte años) que determina que sus respectivos estilos sean tan disímiles e incomparables, Trómpiz no se plantea el debate entre el realismo y la abstracción que motivaba a los jóvenes artistas de su época. No oculta la irrealidad de sus personajes, como rostros y figuras de ficción, claramente imaginarias, idílicas, y extraídas de una realidad de la Caracas de antaño, de los recuerdos nostálgicos de un pasado amable y sosegado que conoció en las imágenes y los relatos de su infancia, según señala Erminy.



“En esas evocaciones que pinta (…) el artista alude en sus rostros al recuerdo de muchachas reales, idealizadas por su afecto. Y, aún más allá, en el espejo de esos rostros se entrevé el reflejo autobiográfico de los sueños del artista (…) Los rostros de jóvenes risueñas, ensimismadas, silenciosas, que no piensan en términos de futuridad, permanecen inertes y enmudecidas, vistiendo con sobria elegancia sus trajes estampados con flores y formas blancas regularmente repetidas, pálidas, ocultas entre pliegues y repliegues y faralaos, cabalgándose los unos sobre los otros en sucesión irregular de dobleces y arrugas, hasta dejar descubierta la piel blanca y tersa de la atractiva rodilla de la dama…”




El público tendrá la oportunidad de apreciar las pinturas de los artistas venezolanos Luis Alfredo López-Méndez, Tomás Golding y Virgilio Trompis, en la exposición Volver a ver, que se presentará del 10 de julio al 04 de septiembre en la Mezzanina de la Galería Freites, ubicada en la Avenida Orinoco de Las Mercedes. El horario de exposición es de lunes a viernes de 9:00 a.m. a 1:00 p.m. y de 2:00 p.m. a 6:00 p.m.; los sábados de 10:00 a.m. a 2:00 p.m.; y los domingos de 11:00 a.m. a 2:00 p.m. La entrada es libre.


Agradecemos a Zoraida Depablos por el envío de esta información
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Abigail Varela “Femenino Plural”


Del 10 de julio hasta el 28 de agosto
Caracas - Venezuela

Tras una década sin exponer
LAS ESCULTURAS DE ABIGAIL VARELA SE RENUEVAN EN LO FEMENINO

Más de una década fue el tiempo que se tomó el escultor Abigail Varela para retomar una muestra individual, que se inaugurará este domingo 10 de julio a las 11:00 a.m. en la Galería Freites de Las Mercedes, bajo el título “Femenino Plural”, en la que regresa con sus características piezas talladas en bronce, además de una novedosa serie realizada en aluminio y dibujos con un acentuado carácter expresionista.





Abigail Varela (Caracas, 1948), no ha dejado de desarrollar en su taller un continuo trabajo artístico para modelar y fundir sobre metal su visión del cuerpo femenino, con un manejo del espacio y el volumen que le ha otorgado una ilimitada libertad, la cual puede palparse en sus más de 50 piezas en múltiples formatos, que ratifican la estética de uno de los artistas fundamentales en la historia de la escultura contemporánea de nuestro país.


A juicio de Federica Palomero, curadora de lo “Femenino Plural”, Abigail Varela ha sabido conjugar las tendencias internacionales y reorientar el interés sobre la tradición precolombina autóctona, desarrollando así, después de Francisco Narváez, una nueva vertiente del indigenismo, que se instala dentro de conceptos contemporáneos.


“El estilo se hace presente en la temática reiterada de la mujer (con la sola excepción de algunos felinos), en sus deformaciones anatómicas: caderas prominentes, miembros muy finos, cabezas diminutas y erguidas; así como en un ritmo de planos y volúmenes, de siluetas y masas, que se apodera del espacio de un modo casi independiente de la figuración, dibujando curvas y elipses que juegan a adherirse al cuerpo humano y a desprenderse de él”, apunta la especialista.


La primera década del presente siglo fue asumida por el artista en una de ausencia de los circuitos expositivos locales -a excepción de aisladas  participaciones en muestras colectivas en el interior del país- permitiéndole al artista desarrollar una renovada experimentación de su estilo escultórico hacia la escogencia  de nuevos materiales y la audacia de formatos hasta ahora no alcanzados. Grandes formatos que alcanzan lo monumental, el desarrollo de esculturas como relieves sobre una pared de fondo, y el uso del aluminio donde siempre estuvo el bronce, aportan una renovada propuesta a la obra de este escultor  venezolano.


La  continuidad y evolución de su trabajo escultórico se asienta en la figura femenina con sus proporciones anatómicas improbables, incluso imposibles   con una obra que a juicio de Federica Palomero “(…) impacta por su sinceridad, por la manera que tiene el artista de captar actitudes, posturas, movimientos y que revelan un conocimiento de la condición humana más deudor de una profunda empatía adquirida en la vida cotidiana que de un estudio científico o del trabajo de observación en el taller (de hecho, trabaja sin modelo). Ligada a esa verdad, hay que subrayar una temporalidad que se conecta con lo contemporáneo (en sus distorsiones formales, detalles de indumentarias y accesorios actuales, así como deconstrucción y reconstrucción de los planos y volúmenes), pero también se mantiene en constante y algo irónico diálogo con la historia, tan antigua, de la escultura”.


Igualmente en la obra escultórica de Abigail Varela se puede entrever una plasticidad que interioriza el ser latinoamericano por lo que la especialista en artes visuales intuye” reminiscencias de formas ancestrales precolombinas, un primitivismo que se compagina con su aliento expresionista, y al mismo tiempo alguna impronta “clásica”, tratada con distancia  y humor -con la distancia que otorga el humor”.


En esta exposición Varela no solo mostrará su trabajo de reciente creación, sino que también ofrecerá un balance de su trayectoria artística, con un grupo de pequeños formatos que el artista denomina “maquetas”, y que viene a constituir una suerte de museo portátil en el que queda reflejada su obra de varias décadas como escultor. Igualmente novedoso será la muestra de un conjunto de dibujos en varias técnicas (acrílico, creyón, grafito, tinta) realizados durante los años dos mil, cuya temática sigue siendo el universo de lo femenino, pero como un marcado sentido expresionista.


“A la paciencia del gesto del alfarero se opone ahora la violencia del trazo; el color aporta a su vez una nueva libertad y se expande en manchas, líneas disparadas, desfases entre los contornos y los planos. Dibujos que confirman el vitalismo de las esculturas al tiempo que permiten vislumbrar más claramente en ellas un sosiego que tempera con sentido de perennidad, con el cultivo de la plenitud formal, una fogosidad que siempre alienta al artista, pero que ha sabido también conquistar”, expresa Federica Palomero.

Desde la década de los 80 Abigail Varela ha desarrollado una trayectoria artística que abarca numerosas muestras individuales entre las que destacan las exhibidas en la Galería Centro Bella Vista, Porlamar (1978), Galería Carmelo Fernández, San Felipe (1981), Galería Freites, Caracas (1986, 1990, 1999), Galería Freites-Revilla, Boca Ratón (1992, 1994), Galería Espacio, San Salvador (1993), Katharina Rich Perlow Gallery, Nueva York (1994, 1999, 2003), Cinthia Bourne Gallery, Londres (1995), Elaine Baker Gallery, Boca Ratón (2000). Asimismo, sus obras forman parte de la colección de la Galería de Arte Nacional, Fundación Cultura Chacao, Fundación Polar, Universidad Nacional Abierta, Caracas, el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, Museo de Escultura Mariano Picón Salas (Mérida), Museo al aire libre Andrés Pérez Mujica, (Valencia), el Museo Parque Bolivariano Minas de Aroa, el Museo de Escultura Contemporáneo de Huelva, España.

La obra de este reconocido artista podrá ser apreciada en la muestra “Lo Femenino Plural”, que permanecerá abierta al público desde el 10 de julio hasta el 28 de agosto en las salas principal y anexa de la Galería Freites, ubicada en la Avenida Orinoco de Las Mercedes, y el horario de exposición es de lunes a viernes de 9:00 a.m. a 1:00 p.m. y de 2:00 p.m. a 6:00 p.m.; los sábados de 10:00 a.m. a 2:00 p.m.; y los domingos de 11:00 a.m. a 2:00 p.m. La entrada es libre.

Agradecemos a Marisela Montes por el envío de esta información

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El Campo Unificado: Fotografias de Alvaro Fernández

El Campo Unificado:
Fotografias de 
Alvaro Fernández

Del Sábado, 11 de junio  
Al 11 de agosto de 2011
Caracas - Venezuela

Fecha: Del Sábado, 11 de junio a las 16:00 Al 11 de agosto a las 23:00
Lugar: Kenkai espacio creativo
Alto Hatillo, Zona Cantarrana, Qta. La Madriguera.
(saliendo de el restaurant Bellevue y hacia Los Naranjos)
0414/321.22.23

Agradecemos a Consuelo Ginnari Chesneau por en envío de esta información
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miércoles, 27 de julio de 2011

JUAN PABLO GARZA / NUEVAS CONSECUENCIAS

 Juan Pablo Garza / 
Nuevas Consecuencias

Del domingo 3 de julio 
Al domingo 14 de agosto de 2011
Caracas - Venezuela


Este domingo 3 de julio se inauguró en Oficina #1 la muestra individual “Nuevas Consecuencias” del joven artista venezolano Juan Pablo Garza (Maracaibo, 1980)

WEB

Ganador, entre otras distinciones, XIII Salón SuperCable Jóvenes con Fia (2010), en esta su segunda muestra individual en Oficina #1, Garza presenta un conjunto de 16 fotografías pertenecientes a su más reciente serie de trabajo “Nuevas Consecuencias”, en las que la idea precede a la imagen concreta. Tal y como lo señala la curadora Ruth Auerbach, “Juan Pablo Garza concibe el proceso creativo y la acción realizada mucho antes de establecer el encuadre, disparar el objetivo o fijar la imagen”. Así, en vez de representar objetos, Garza trabaja desde la invención de las imágenes, desde la creación del sujeto fotografiable; una estrategia que le ha permitido desarrollar “la sintaxis de un repertorio iconográfico propio” que demuestra la “capacidad transformadora de la fotografía”. Y es que la obra de Garza es una persistente reflexión sobre la fotografía como recurso técnico a la vez que lenguaje, a través de imágenes que a juicio de Auerbach funcionan como alegorías al medio, y en las que se verifica “la dimensión de la fotografía más allá de un hecho tautológico”. Para la curadora la práctica artística de Garza es “una exploración en torno a la naturaleza de la percepción, a los principios pre-fotográficos -el fotograma-, a los materiales fotosensibles, a la fenomenología de la luz y el color, a la transparencia del medio y sobre todo, a la fisicalidad material de la fotografía.”




Si bien en las obras iniciales de Garza podía apreciarse que la experimentación azarosa y lúdica con los “objetos” comunes y triviales -mínimanente intervenidos- encontrados e instalados tanto en el paisaje como en el espacio interior, determinaba la construcción de la imagen, en su más reciente serie el artista “configura fragmentos y yuxtaposiciones formales que provienen de acciones alegóricas a lo fotográfico y que ensayan las resonancias de una tradición bauhausiana: representaciones inmateriales, fugitivas y translúcidas como las que proyecta la luz o el reflejo especular sobre las superficies concretas; variables cromáticas del papel expuesto a la energía solar; la impresión de las huellas sobre la tela a manera de fotograma o, las densas superficies de indiscutible acabado pictórico resultantes de la compactación de todo un archivo de negativos fotográficos”. Finalmente, otras imágenes de esta misma serie “protagonizan la presencia de objetos silenciosos en situaciones inesperadas dentro del espacio arquitectónico; cuerpos anodinos sin contenido simbólico o visual aparente que adquieren, mediante la acción del artista un significado extra ordinario, haciendo visible lo no temático”.



Juan Pablo Garza ha realizado las muestras individuales Dos Series. Oficina#1, Centro de Arte Los Galpones. Caracas, Venezuela [2009]; Instantáneas. Espacio PP Hotel Paseo las Mercedes. Caracas, Venezuela [2009]; Puesto por los Caminos. Galería de la Escuela de Fotografía Julio Vengoechea. Maracaibo, Venezuela [2005]. De igual manera ha participado en diversas muestras colectivas, entre ellas, Expedientes FOTOFIA 2011. Los Secaderos. Centro Cultural La Trinidad, Caracas, Venezuela [2011]; Affinity. Kulter Gallery, Holanda, Amsterdam [2011]; Enemies of my enemies. OCAD University Graduate Gallery, Toronto, Canada [2011]; Una vez once. Al Borde. Maracaibo, Venezuela [2011]; 6to Salón Regional de Jóvenes Artistas. Museo de Arte Contemporáneo del Zulia, Maracaibo, Venezuela [2010]; XIII Salón SuperCable Jóvenes con Fia. Centro Cultural Corp Banca, Caracas, Venezuela [2010]; 5ta Bienal de Maracaibo. Museo de Arte Contemporáneo del Zulia, Maracaibo, Venezuela [2009]; Maracaibo, Visiones Históricas e Imaginarios Urbanos. Centro de Arte de Maracaibo Lía Bermúdez. Maracaibo, Venezuela [2008]; Tercera Bienal de Fotografía Venezolana Daniela Chappard, [exposición itinerante]. Museo de Arte Contemporáneo del Zulia. Maracaibo, Venezuela / Sala de Exposiciones La Estancia. Caracas, Venezuela [2005]. Entre sus premios y distinciones destacan: Primer premio, 6to Salón Regional de Jóvenes Artistas, Museo de Arte Contemporáneo del Zulia. Maracaibo, Venezuela [2010]. Primer premio, XII Salón SuperCable Jóvenes con FIA. Centro Cultural Corp Banca. Caracas, Venezuela [2010]. Finalmente es importante destacar que desde el año pasado es Fundador y co-director de Al Borde espacio de arte contemporáneo, ubicado en Maracaibo, Venezuela.



La muestra “Nuevas Consecuencias” de Juan Pablo Garza permanecerá abierta en Oficina #1 desde el domingo 3 de julio hasta el domingo 14 de agosto de 2011 en el siguiente horario: Martes a viernes de 2 a 6 pm. Sábados y domingos de 11am a 4 pm.


Agradecemos a Oficina Numero Uno por el envío de esta información
3.897